Di nome e di fatto, l’attrice Vittoria Belvedere è passata sull’orange carpet del RomaFictionFest situato al Multisala Adriano di Roma, mostrandosi solare e divertita allo stesso tempo e spalleggiandosi con la collega Camilla Ferranti che la precedeva in passerella. Le due, insieme a Martina Stella, saranno le protagoniste di Angeli e Diamanti, la nuova fiction italiana che fa il verso alla celebre Charlie’s Angels.

Rispettivamente le tre rappresenteranno donne affascinanti in divisa per finanza, polizia e carabinieri e saranno così caratterizzate: Chiara è quella che comanda, con il compito di ristabilire l’ordine, con il vizio di finire sempre invischiata in qualche rissa; Laura è l’esperta di computer, un maschiaccio impulsivo che dice pane al pane e vino al vino, con le conseguenze che possono derivare da questa sua schietta sincerità; Giorgia invece è la casinista del gruppo, impulsiva, romantica e un po’ sbadata. Sentiremo la mancanza della serie originali o dei due film per il cinema che sono usciti più recentemente?

Tra le tante celebrità nostrane e internazionali presenti al RomaFictionFest che vi ricordo va dal 5 al 10 luglio, nella giornata di ieri ha spiccato la presenza dell’attore americano Jim Caviezel, nato il 26 settembre 1968 a Mount Vernon, Washington.

Sicuramente lo ricorderete per la sua interpretazione di Gesù nel film La passione di Cristo, film che non passò inosservato e senza far parlare di sé per le sue scene molto dure. Ovviamente Caviezel ieri era al cinema Adriano, una delle location del Festival, per il suo ruolo nella serie Tv The Prisoner. Prima di lasciarvi all’intervista all’attore, posso dire solo che al contrario di tante altre celebrità, si è dimostrato molto alla mano, con il pubblico presente e con gli addetti ai lavori. Piccole cose che non cambieranno la vita a nessuno, ma che lasciano sicuramente una buona impressione della persona, per quel poco che è concesso in queste occasioni di conoscere. Il pensiero non può non andare ai nostri piccoli grandi divi capaci di far accorgere della loro presenza, dal puzzo dell’arroganza che li precede.

Ci voleva sicuramente James Bond e non uno a caso, non uno di quelli del passato – a cui nulla va tolto e sempre è da riconoscere lo scettro che loro spetta di diritto – ma serviva un figlio dei tempi moderni capace di ridar luce, splendore e fasto all’agente segreto più amato di tutti i tempi, lo 007 britannico che ha il volto di Daniel Craig.

Dopo la convincente prova ottenuta in Casino Royale era inevitabile che ci fosse così tanta attesa per l’arrivo di Quantum of Solace, unico nel suo genere perché vero e proprio sequel del precedente episodio, distanziandosi da questo in linea temporale e narrativa, di solo un’ora.

Ma il freddo e la pioggia sono forse penetrati più a fondo di quanto non pensassi e le poltrone del cinema erano troppo scomode perché riuscissi a trovare sul grande schermo, le luci che aspettavo mi abbagliassero: si inizia con un inseguimento che viene preso molto alla lontana prima di catapultarci nel vivo dell’azione, nel rombo dei motori e nei ridotti rapporti che si susseguono a giri forzati. Dal silenzio di una panoramica sempre più stretta, allo stridore degli pneumatici su un asfalto italiano – testimone dei gravi incidenti occorsi agli stuntmen durante le riprese del film – rappresentato da una “campagnola” dei Carabinieri, subito preda di un tragico epilogo (per inciso le nostre sirene non sono quelle che si sentono nella pellicola, ma evidentemente faceva più internetional).

Qualcosa deve essere andato storto sin da subito nel lavoro di Marc Forster perché lo stesso inseguimento era difettoso, mancava di grip, di quel quid che gli desse la marcia in più. Lo sdoppiamento delle camere per offrire un punto di vista più ampio e che non fosse ripetitivo, è risultato essere troppo frammentato e dispersivo e i titoli di testa che da sempre sono un marchio di fabbrica, una certezza, fanno un passo indietro rispetto a tutti i precedenti, non da ultimo quelli di Casino Royale che sembrava aver trovato il giusto nesso di continuità con il passato, per trasportarci di peso al presente.

La sensazione di annebbiamento è piuttosto continua, presente anche nella lunga scena sui tetti di Siena – altri incidenti durante le riprese – e il film è lì lì che vuole partire, che cerca di dirci la sua, ma è come se stentasse, arranca, scivola e non riesce a trovare la nota giusta. Gli manca la storia! Già, un qualcosa da dire, eppure si basava su un forte movente, quello della vendetta, della cieca e assoluta devozione alla causa da parte di James Bond, ovvero trovare qualcuno che pagasse per la morte di Vesper Lynn alias Eva Green. Ritorna Giancarlo Giannini nel ruolo di Mathìs, sì, proprio lui, che lo 007 tutto d’un pezzo aveva consegnato all’MI6 senza battere ciglio, ma neanche il nostro pezzo da novanta ha modo di inebriarci con il suo talento, che il suo è solo un breve passaggio.

Allora uno si aspetta che sia la bond girl di turno, la bellissima Olga Kurilenko (Camille) ad avere il compito di stregarci ed ammaliarci. Chissà, magari lei ci sarebbe riuscita se le fosse stato dato tempo e modo, ma quello sembra essere proprio mancato a tutto l’insieme. Ed effettivamente un’ora e tre quarti sembrano un po’ pochini per provare ad incollarci alla poltrona e affascinarci con un pacchetto, che ha già tutto pronto e alla fine non abbisognava di chissà quali correzioni al tiro.

Quasi inutile l’omaggio che Gemma Arterton è chiamata ad impersonare: la sua è una versione assolutamente non celata di Shirley Eaton in Missione Goldfinger, ma lì dove c’era oro e luccichio, trovano posto solo ombre e buio. Come quelli che ha lasciato in me la visione di Quantum of Solace, un film che tanto aspettavo, ma che mi ha lasciato con un profondo senso di vuoto addosso. Sicuramente da rivedere, con calma e senza l’ansia da prestazione!

Meno simpatico di lui è stato invece Raz Degan, che ha preferito restare comodamente seduto in poltrona, nonostante avesse un impegno da rispettare, ovvero quello appunto con i fotografi per auto celebrarsi e rimirarsi sul grande schermo.

Così dopo un’attesa di un’ora, dopo aver già fotografato anche Laura Gigante, protagonista femminile della pellicola di Stefano Salvati, abbiamo fatto fronte comune e ce ne siamo andati.

Alla faccia del venerdì 17, della pioggia battente, degli scooter che scivolano a iosa sui sanpietrini bagnati di Roma, sulle manifestazioni e gli scioperi dei mezzi che mandano in tilt il traffico. Alla faccia di un attore che non rispetta il lavoro degli altri, che lavorano alla fine per lui e per la sua immagine. Tsè!

Tra grattacieli di rifiuti che lui stesso erige, emulo dell’arte e della maestria umana, con la sola compagnia di un piccolo insetto, Wall-E (Waste Allocation Load Lifter Earth-Class) è da 700 anni che mantiene fede alla parola data, al patto stretto con gli esseri umani. Non importa che lui sia un robot programmato per ripulire la Terra dai disastri ambientali commessi dall’uomo, fuggito nel frattempo con la speranza di fare prima o poi ritorno. Perché non è quello che facciamo che ci qualifica, ma come lo facciamo.

Nei suoi 700 anni di solitudine e di lavoro incessante, Wall-E ha scoperto il gusto della sopravvivenza – tutti i suoi simili hanno cessato semplicemente di funzionare e da loro trae fonte inesauribile di pezzi di ricambio – e forgiato da una videocassetta di Hello Dolly – unico contatto con i suoi stessi creatori – impara cosa sia l’amore, la musica e la potenza di semplici gesti, come due mani che si sfiorano e si offrono riparo l’un l’altra.

Dal cielo verrà poi Eve, robot sonda elegante e sinuoso, che farà battere il cuore di Wall-E fatto di circuiti, fili elettrici e bulloni. E se lei ha una missione che ciecamente e fedelmente porterà avanti, lui saprà starle accanto in ogni momento, proprio come la sua evoluzione solitaria gli ha insegnato sia giusto fare.

Se spesso ci lamentiamo dei dialoghi poco profondi o banali che accompagnano momenti di cinema non altrettanto all’altezza del tempo che dedichiamo ad una singola pellicola, una standing ovation è da dedicare al regista Andrew Stanton, che per tre quarti d’ora buoni riesce ad incantarci con musiche, immagini e poesia che nulla hanno a che vedere con le parole, tanto che i due automi, ne pronunciano solo due in tutto questo lasso di tempo: i loro rispettivi nomi e “direttiva”, quella appunto cui sono stati assegnati dai loro creatori.

Celebre omaggio ai film muti di Buster Keaton o di Nosferatu, come è già, non a caso, stato detto, ma non mancano i raffronti con 2001 – Odissea nello spazio e il più ovvio Corto Circuito, di cui Wall-E è la fedele riproduzione animata.

I dialoghi arrivano quando ci sarà il contatto con gli umani, ormai del tutto asserviti all’uso delle macchine e senza di esse incapaci di muoversi, pensare, nutrirsi e via dicendo, assuefatti a secoli di fuga e dipendenza diventata ormai simbiotica, tanto da dettare un’involuzione della specie che tanto somiglia a quella degli invertebrati nei quali rischiano di trasformarsi.

Ma se le macchine hanno reso schiavi gli uomini delle comodità e degli agi, le stesse macchine saranno la scintilla capace di offrire nuovamente la speranza, vuoi come vita sulla Terra, vuoi con l’esempio di rettitudine e sacrificio che Wall-E incarna nell’atto supremo di proteggere Eve.

Capace di commuovere, di stregare, di strappare quell’applauso sincero, onesto e spontaneo che puerile parte dal cuore a mo di sfogo dopo i momenti di tensione. Sarà allo stesso modo capace di vincere l’ambito Oscar come miglior film che al momento merita ampiamente? Spero di sì e se ciò non dovesse essere, vorrei poter ammirare la pellicola che sappia strappargli di diritto e di merito il titolo di miglior film dell’anno.

Distribuita dalla Teodora Film, la pellicola incanta e maliziosamente è capace di attrarre lo spettatore nella semplicissima vicenda che viene offerta, nuda e cruda, senza fronzoli: il marito di Arvilla (Lange) è morto da poco e lei si ritrova da sola e oppressa dalle richieste della figliastra, che vuole indietro le ceneri del padre, ricattando la matrigna e minacciandola con l’espropriazione della casa.

Nel tentativo di mantenere fede alla promessa fatta al defunto marito, ovvero quello di spargere le proprie ceneri, la donna si metterà in viaggio con le sue più care amiche, Carol (Allen) e Margene (Bates). Un trio affiatato ed esplosivo a bordo di una cadillac sugli sterminati orizzonti che offrono le strade statunitensi, pronto ad affrontare qualsiasi disavventura e imprevisto si pari loro dinanzi, nonostante le non poche differenze e diffidenze che emergeranno pian piano, ma che verranno spazzate via da una folata forte come l’amicizia.

La Bates è vulcanica ed effervescente, avvolgente nella sua sfrontata simpatia. Estremo opposto nel personaggio quello della fervente e castigata Allen, brava ed emarginata troppo spesso nel panorama cinematografico e quindi poco valorizzata. Sopra le righe Jessica Lange, vibrante e commovente.

Stonano solamente alcune scelte stilistiche e la presciolosità dimostrata nel non sfruttare a pieno alcune occasioni degne di una carrellata in più e del giusto momento di silenzio per poter apprezzare il tutto, come alcuni paesaggi mozzafiato, che invece che fungere da cornice, quasi neppure si notano.

La pellicola della Medusa propone una storia dall’intreccio abbastanza chiaro, seppur lo voglia mascherare con fronzoli e camuffamenti complicati che si potevano evitare benissimo: Arturo (Salemme) è un attore di una fiction televisiva e rischia di essere schiacciato dalla bravura di Federico, un giovane bambino che ha un notevole talento, al pari della sua antipatia; Enrico (Rubini) è il bizzarro agente che cerca di fare di tutto per salvare il proprio conto in banca e di conseguenza quello del suo assistito, tanto da voler approfittare della strana situazione che vede Mirko (Leonardo Bertuccelli) sostituire la figura paterna con quella dell’attore.

L’accoppiata Salemme – Rubini risulta riuscitissima per la goffaggine di quest’ultimo nell’utilizzo della lingua italiana, storpiata in mille occasioni con parole che stonano e puntualmente corretto dal primo, ma a lungo andare il personaggio di Enrico Pignataro diventa un cliché di se stesso e finisce con lo stancare.

Allo stesso modo il salvagente della pazzia, che caratterizza Panariello, viene fin troppo abusata nel film, che riduce il nostro a un mondo di matti in circolazione, presunti o fittizi che siano: la presenza dei due gemelli (Fabrizio e Francesco Ceccarelli è a dir poco inutile e troppo abusata nel panorama cinematografico recente. Ridondante e noiosa! Lo stesso Panariello, seppur riesca a far sorridere in un paio di occasioni, risulta forzato e fine a se stesso, nonostante gli si sia provato a dare una collocazione essenziale.

Il bambino ha, nonostante il trauma subito, il richiamo ad una follia, così come la madre e le sue escandescenze mai misurate; i padroni di casa e i nipoti si allineano su questa stessa corrente e quello che ne esce risulta offuscato da un velo di superficialità: ricorrere alla follia o alla “stramberia” è un po’ un mezzuccio come l’erotismo utilizzato da quei pubblicitari, che preferiscono mettere un po’ di curve al punto giusto, piuttosto che strabiliarci con estro e creatività.

Consigliato per una visione casalinga…